Critique : « Une fois sur cette île », relancé et ravissant

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Par Jesse Green

Je ne m'attendais pas à la chèvre en couches.

Je ne suis pas non plus arrivé à Circle in the Square l'autre soir en anticipant le panorama des villageois faisant un barbecue sur la plage, pêchant dans le lagon et vaquant à leurs occupations quotidiennes dans un joyeux panorama d'avant-spectacle sur la scène en forme de losange du théâtre.

Si le spectacle n’avait jamais commencé, j’aurais été plutôt content.

Mais ensuite c’est arrivé, et tout ce que je peux dire, c’est qu’après une chute théâtrale lamentable, dont même les moments forts semblaient cendrés, quel plaisir d’entrer dans le monde de « Once on This Island ». La comédie musicale, vue pour la première fois à Broadway en 1990, s'est ouverte dimanche dans une ravissante reprise dirigée par Michael Arden.

Vous ne connaissez peut-être pas ce nom, mais si vous aviez vu « Spring Awakening » reformulé par M. Arden pour le Deaf West Theatre en 2015, vous vous souviendrez de sa signature. C'est une grande signature, au maximum décorative et triplement soulignée.

Cette ornementation convient parfaitement à « Once on This Island », une fable d’amour, de mort et de dieux capricieux se déroulant dans les Antilles françaises. Comme toutes les fables, elle est très simple dans ses grandes lignes – et donc sans doute mieux adaptée à l’expression littéraire qu’à l’expression théâtrale. Après tout, que se passe-t-il ? Une fille d'un clan tombe amoureuse d'un garçon d'un autre, l'impossibilité de leur union menant à la tragédie et à la transformation.

Oh attends, c'est « Roméo et Juliette ».

Il en va de même, sauf qu'ici le garçon et la fille s'appellent Daniel et Ti Moune. Ils ne représentent pas les « deux maisons de même dignité » de Shakespeare, mais plutôt, comme le dit le premier numéro, « deux mondes différents sur une seule île ». Daniel est un fils de « grands hommes », avec leur « peau brun pâle » et leurs manières françaises. Ti Moune, un « paysan », est pauvre et « noir comme la nuit ». Le problème du colorisme ajouté aux préjugés de classe donne à cette mince histoire folklorique autant de complexité qu'elle peut en supporter sur la page.

Mais en adaptant à la scène le roman de Rosa Guy « My Love, My Love », Lynn Ahrens (livre et paroles) et Stephen Flaherty (musique) ont été confrontés au problème difficile d'approfondir notre investissement dans les sentiments et les conflits des personnages, à la manière du vers c'est ce que fait Shakespeare, sans pour autant écraser leur pouvoir de prototype. La solution presque parfaite des auteurs est une partition caribéenne pastiche dont les mots sont sobres et délicatement rimés mais dont la musique est implacablement entraînante et émotionnelle.

Plus tard dans leur carrière, alors que Mme Ahrens et M. Flaherty entreprenaient des projets de grande envergure comme « Ragtime » et « Anastasia », ils produisaient des chansons de grande envergure qui me semblaient parfois turgescentes. Mais dans cette première sortie à Broadway, ils ont réussi à maintenir même les numéros exubérants à l'échelle, de sorte qu'un spectacle comme "Mama Will Provide", chanté à faire trembler le toit par le féroce Alex Newell, n'arrête pas littéralement le spectacle. . Et les chansons calmes de Ti Moune (« Waiting for Life ») et Daniel (« Some Girls ») ne se perdent pas malgré les interprétations discrètement sensibles de Hailey Kilgore et Isaac Powell, qui font de jolis débuts à Broadway.

Si vous vous demandez si M. Newell a chanté une chanson intitulée « Mama Will Provide », c'est sûrement quelque chose que M. Arden, le réalisateur, a l'intention de faire. « Mama » est l'un de ces dieux capricieux, une figure de la Terre Mère appelée Asaka, et dans la vision de M. Arden, les dieux sont fluides entre les sexes. (M. Newell a joué le personnage transgenre Unique Adams dans « Glee ».) De même, le dieu de la mort, Papa Ge, est joué par une femme, Merle Dandridge, qui porte un soutien-gorge. Plus subtilement, les acteurs, aux carnations variées, ne sont pas obsessionnellement assortis les uns aux autres ou aux couleurs suggérées par le scénario. Lea Salonga, la star philippine de Broadway, incarne Erzulie, la déesse de l'amour ; Quentin Earl Darrington, à la voix héroïque, dans le rôle du dieu de l'eau Agwe, est bleu.

Et devine quoi? Ça ne fait aucune différence.

Ou plutôt, c'est le cas, en illustrant le caractère ridicule de telles distinctions et en soulignant la volonté de la série d'être considérée comme une histoire universelle que chaque culture met en scène et que tout le monde peut raconter. (Huit artistes, appelés conteurs, ont été ajoutés au casting de cette reprise.) Si les choix de casting de M. Arden atténuent également un peu la pression exercée sur d'éventuelles questions d'appropriation culturelle - lui et les auteurs de la série sont blancs - qu'il en soit ainsi ; le point le plus important mérite d’être souligné maintenant.